Показаны сообщения с ярлыком 6 класс. Показать все сообщения

воскресенье, 19 мая 2024 г.

Предыстория История искусства живописи в Иране восходит к каменному веку. В пещерах провинции Лорестан были обнаружены нарисованные изображения животных и сцены охоты. В Фарсе были обнаружены рисунки, возраст которых составляет примерно пять тысяч лет. Изображения, обнаруженные на глиняной посуде в Лорестане и других археологических памятниках, доказывают, что художники этого региона были знакомы с искусством живописи. Также было обнаружено несколько росписей, относящихся ко времени ашканидов (III – I в. до н. э.), большинство из которых было обнаружено в северной части реки Эль-Фурат (Евфрат). Одна из этих картин представляет собой сцену охоты. Положение всадников и животных, а также стиль этой работы напоминает иранские миниатюры. В картинах эпохи Ахеменидов работа художников отличается невероятным соотношением и красотой цветов. В некоторых случаях для ограничения разноцветных поверхностей использовались черные полосы. В пустыне Туркестана были найдены картины, относящиеся к 840–860 годам нашей эры. На этих росписях представлены традиционные иранские сцены и портреты. Самые ранние изображения, относящиеся к исламскому периоду, довольно немногочисленны, они были созданы в первой половине XIII века.

Школы живописи Примерно с VII века Китай играл большую роль в развитии искусства живописи в Иране. С тех пор была установлена связь между буддийскими китайскими и персидскими художниками. С исторической точки зрения, наиболее важной эволюцией в иранском искусстве стало принятие китайского стиля рисования и красок, которые смешивались с концепцией персидских художников. В первые века после появления ислама иранские художники стали украшать миниатюрами книги.

Изображения, относящиеся к началу исламского периода, принадлежали к багдадской школе. Эти миниатюры полностью утратили стиль и методы обычной живописи доисламского периода. Они не пропорциональны, в них используются светлые цвета. Художники багдадской школы, после многих лет застоя, стремились к созданию чего-то нового. Они начали рисовать животных и иллюстрировать истории. Хотя багдадская школа, учитывая доисламское искусство, в некоторой степени поверхностна и примитивна, искусство иранской миниатюры в тот же период было широко распространено во всех регионах, в которых распространялся ислам: на Дальнем Востоке, в Африке и в других странах. Большинство рукописных книг XIII века дополнены изображениями животных, растений и иллюстрациями к басням и рассказам.

Примером самой древней иранской миниатюры являются рисунки книги под названием «Манафи-аль-Хайван» (1299 г. н.э.). В ней представлены истории о животных, а также их аллегорическое значение. Многочисленные изображения знакомят читателя с иранским искусством живописи. Изображения выполнены яркими цветами, на некоторых миниатюрах видно влияние дальневосточного искусства: некоторые изображения нарисованы тушью. После вторжения моголов в Иране появилась новая школа. Она полностью находилась под влиянием китайского и могольского стилей. Эти картины все очень маленького размера, со статичными изображениями, выполненными в дальневосточном стиле. Персидская миниатюра переняла такие черты могольского искусства, как декоративные композиции и тонкие короткие линии. Стиль иранских картин можно было охарактеризовать, как линейный. Художники в этой области продемонстрировали особую креативность и оригинальность.

При могольском дворе чтили не только персидскую художественную технику, но и тематику картин. Часть работ художников представляла собой иллюстрации иранских литературных шедевров, таких как «Шахнаме» Фердоуси. В отличие от багдадских и могольских изображений, от школы Харат осталось больше работ. Основоположниками этого стиля живописи были предки Тимура, и школа была названа в честь места, в котором она была основана. Искусствоведы считают, что в эпоху Тимура искусство живописи в Иране достигло апогея. В этот период творили многие выдающиеся мастера, именно они внесли новый штрих в персидскую живопись. Кемаль ад-Дин Бехзад Херауи Этот художник (ок. 1450 - ок. 1535) был автором многих персидских миниатюр и возглавлял королевскую мастерскую (китабхану) в Герате и Тебризе во время позднего периода Тимуридов и раннего периода Сефевидов. Он также известен как Кемаль ад-дин Бехзад или Камаледдин Бехзад. Персидская живопись того периода часто использует расположение геометрических архитектурных элементов в качестве структурного или композиционного контекста, в котором располагаются фигуры. Бехзад при использовании традиционного геометрического стиля растягивал это композиционное построение несколькими способами. Во-первых, он часто использовал открытые, пустые области без рисунка, вокруг которых совершается действие. Также он размещал изображения вокруг плоскости в некотором органическом потоке. Жесты фигур и предметов не только естественны, выразительны и активны, но и расположены так, чтобы взгляд постоянно перемещался по всей плоскости изображения. По сравнению с другими средневековыми миниатюристами, он более смело использовал контрастные темные цвета. Еще одно качество, характерное для его работы, это повествовательная игривость: почти скрытый глаз и частичное изображение лица Бахрама, когда он всматривается, наблюдая за резвящимися в бассейне внизу девушками; вертикально стоящая коза, которая похожа на демона на краю горизонта в истории о пожилой женщине, противостоящей грехам Санджара. Бехзад также использует суфийскую символику и символический цвет для передачи значения. Он привнес в персидскую живопись натурализм, особенно в изображении более индивидуализированных фигур и использовании реалистических жестов и выражений лиц. Наиболее известными работами Бехзада являются «Соблазнение Юсуфа» из Бустана Саади 1488 года и картины из рукописи Низами Британской библиотеки 1494-95 годов. Установление в некоторых случаях его авторства бывает проблематичным (и многие академики теперь утверждают, что это неважно), но большинство работ, приписываемых ему, датируются 1488–1495 годами. Он также упоминается в знаменитом романе Орхана Памука «Меня зовут красный» как одного из величайших персидских художников-миниатюристов. В романе Памука говорится, что Кемаль ад-Дин Бехзад ослепил себя иглой. Сам художник родился, жил и работал в Герате (в современном Афганистане) при Тимуридах, а затем в Тебризе при династии Сефевидов. Будучи сиротой, он воспитывался выдающимся художником Мираком Наккашем и был протеже писателя Мир Али Шир Неваи. Его основными покровителями в Герате были тимуридский султан Хусейн Байкара (правил в 1469-1506) и другие амиры из его окружения. После падения Тимуридов он был нанят шахом Исмаилом I Сефави в Тебризе, где, будучи главой мастерской правителя, оказал решающее влияние на развитие искусства периода Сефевидов. Бехзад умер в 1535 году, его могила находится в Тебризе.

Эпоха Сефевидов В это период художественный центр был перенесен в Тебриз. Несколько художников также обосновались в Казвине. Однако Сефевидская школа живописи была основана в Исфахане. Миниатюра Ирана в эту эпоху была избавлена от влияния китайцев и вышла на новый этап развития. Художники тогда были более склонны к натурализму. Риза-йи-Аббаси Он был самым известным персидским миниатюристом, художником и каллиграфом Исфаханской школы, которая процветала в период Сефевидов под патронажем шаха Аббаса I. Он был основателем «Школы живописи Сефевидов». Искусство рисунка в эпоху Сефевидов претерпело значительную трансформацию. Риза Аббаси (1565 - 1635) считается одним из ведущих персидских художников всех времен. Он прошел обучение в мастерской своего отца Али Асгара и был принят в мастерскую шаха Аббаса I, еще будучи молодым человеком. В возрасте около 38 лет от своего покровителя он получил почетное звание Аббаси, но вскоре оставил работу на шаха, очевидно, стремясь к большей свободе общения с простыми людьми. В 1610 году он вернулся к шаху, с которым оставался до своей смерти. В своих миниатюрах он предпочитал натуралистическое изображение образов, которые часто рисовал в женственной и импрессионистской манере. Этот стиль стал популярным во времена позднего периода Сефевидов. Многие из его работ изображают красивых молодых людей, часто в роли «винодела», на которые порой обращают восхищенные взгляды пожилые люди, что является проявлением персидской традиции ценить юношескую мужскую красоту. Сегодня его работы можно найти в музее, носящем его имя в Тегеране, а также во многих крупных музеях Запада, таких как Смитсоновский институт, Лувр и музей Метрополитен. Особенности Сефевидской школы Миниатюры, созданные в этот период, не были предназначены исключительно для украшения и иллюстрирования книг. Стиль Сефевидов более мягкий по форме, чем у предыдущих школ. Человеческие образы и их поведение не кажутся искусственными, наоборот, они естественны и близки к реальности. В картинах Сефевидов великолепие и величие этого периода является главной достопримечательностью. Основной тематикой картин является жизнь при королевском дворе, дворянство, прекрасные дворцы, сцены сражений и банкетов. Художники больше внимания уделяли общности, избегая лишних деталей. Плавность линий, быстрое выражение чувств и сгущение сюжетов – основные характеристики стиля живописи Сефевидов. С конца этой эпохи в персидских миниатюрах появились перспектива и затенение, как следствие влияния европейского стиля живописи. Династия Каджары (1795-1925) Картины этой эпохи представляют собой сочетание классического европейского искусства и техник миниатюр Сефевидов. В этот период Мохаммад Гаффари Камаль-уль-Молк развивал в Иране европейский классический стиль живописи. В конце этого периода в истории иранской живописи появился новый стиль, получивший название «искусство кофейни», фактически ознаменовавший собой упадок персидского искусства. Влияние Эстетика и образность средневековой персидской миниатюры оказала влияние не только на художников. В частности, это касается поэзии. Стихотворение Н.С. Гумилева «Персидская миниатюра» вошло в сборники «Огненный столп» и «Персия» (1921). Оно является отражением художественного мира иранских миниатюристов.

Когда я кончу, наконец,

Игру в cache-cache со смертью хмурой,

То сделает меня Творец

Персидскою миниатюрой.

И небо, точно бирюза,

И принц, поднявший еле-еле

Миндалевидные глаза

На взлет девических качелей.

С копьем окровавленным шах,

Стремящийся тропой неверной

На киноварных высотах

За улетающею серной.

И ни во сне, ни наяву

Невиданные туберозы,

И сладким вечером в траву

Уже наклоненные лозы.

А на обратной стороне,

Как облака Тибета чистой,

Носить отрадно будет мне

Значок великого артиста.

Благоухающий старик,

Негоциант или придворный,

Взглянув, меня полюбит вмиг

Любовью острой и упорной.

Его однообразных дней

Звездой я буду путеводной.

Вино, любовниц и друзей

Я заменю поочередно.

И вот когда я утолю,

Без упоенья, без страданья,

Старинную мечту мою -

Будить повсюду обожанье.

Глубокий смысл «Персидской миниатюры» Гумилева связан, во-первых, с лирической темой жажды любви. Кроме того, поэт скрыто вводит в него персонажей сказки. Во-вторых, стих «Персидская миниатюра» является символом нетленного мира, сотворенного благодаря силе слова поэта.

Библейская тема в искусстве

Библия - сокровищница духовного и культурного наследия - она оказала влияние на всю мировую культуру.

Что привлекает людей в Библии?

Прежде всего идеалы добра, справедливости, самоотверженного служения людям и вера в человеческие ценность человеческой личности.

На протяжении двух тысячелетий многие люди свои идеалы связывают с личностью Иисуса Христа. Многие деятели искусства стремятся запечатлеть его образ в различных видах искусства и выразить своё отношение к нему.

Иконы - не являются произведениями искусства - это образы святых, через которые верующие обращаются с молитвами. У иконописца при написании икон свои правила, нарушать их нельзя.

Что же такое икона?

- Окно в мир духовный, в мир небесный.

Ученые-филологи подсчитали, что 80% слов в русском языке имеет церковно-славянские корни.

НЕ-БЕСА (нет беса).

Какой земной образ стал идеалом небесной чистоты?

- Образ Богоматери.

- Образ Иисуса Христа.

Эрик Булатов. Картина и зрители. 2011—2013. Третьяковская галерея, Москва

Ответить на вопрос:

Что хотел сказать художник этой живописной работой?

вторник, 14 мая 2024 г.

Пушкин жив

понедельник, 13 мая 2024 г.

ИСТОРИЧЕСКИЙ ЖАНР В ЖИВОПИСИ

Александр Иванов. "Последний день Помпеи"

Исторический жанр — это раздел в живописи, который включает в себя сюжеты, основанные на реальных событиях и стал формироваться в эпоху Возрождения.

Смешанными типами являются:

историко-бытовой жанр;
историко-мифологический;
портретно-исторический;
исторический пейзаж;
батальное искусство.

Портреты великих мастеров живописи

Живописный портрет является выражением глубокого интереса к личности конкретного человека. Живописный портрет также раскрывает нам образ эпохи и её духовные ценности.

Так, например, художники эпохи итальянского Возрождения стремились передать возвышенное и прекрасное. Микеланджело, Рафаэль, Леонардо да Винчи, Тициан стремились к идеальным образам и достигли совершенства в их создании. Непревзойдённым шедевром Леонардо да Винчи стала «Джоконда».

Мастерством художников итальянского Возрождения восхищались многие последующие художники. Однако это восхищение не изменило мнения художников Севера Европы, что они должны передавать зрителю красоту невыдуманной, живой действительности, писать разнообразие проявлений окружающего их мира.

Великий голландский художник ХVII века Рубенс обладал совершенным мастерством. Источником представлений Рубенса о красоте был народный идеал изобилия и здоровья. В портретах, созданных Рубенсом, можно увидеть всю полноту жизненной силы человека.

Другой голландский художник ХVII века Рембрандт стремился передать в своих портретах теплоту и духовную глубину изображаемых им людей. Рембрандт умел так показать нам героев своих произведений, что мы явственно чувствуем, какие печали и радости они пережили. Мир на полотнах Рембрандта добрый и мудрый. В этом мире нет осуждения, а есть сострадание и понимание ценности и значимости каждой человеческой личности. В работах Рембрандта чувствуется тепло, сердечность и простота, которые возвышают душу человека.

России в середине ХIХ века произошёл новый подъём искусства портрета. Это было связано с тем, что многие художники, музыканты и писатели были объединены идеей создания правдивой картины жизни страны.

Во главу творчества они ставили судьбу народа и писали портреты людей всех слоёв общества, стараясь создать образ России. Художникам была поставлена задача создать галерею портретов выдающихся деятелей культуры – тех людей, которые стали совестью России. Эти портреты создавали такие мастера живописи, как Перов, Крамской, Репин, Ярошенко. Для портретов этого времени характерно сдержанное цветовое решение, а также отказ от внешней красивости и нарядности. Но при этом композиция остро раскрывает характер человека, всё внимание сосредоточено на лице, на передаче значительности образа человека и его внутреннего достоинства. Все перечисленные особенности портрета можно увидеть на картине Репина «Портрет Л. Н. Толстого» или на картине Н.А. Ярошенко «Кочегар», а также на картине Сурикова «Смеющаяся девушка» и на картине Крамского «Неизвестная».

Когда в начале ХХ века стала быстро развиваться фотография, казалось, что портретная живопись может утратить свое значение. Но именно благодаря развитию фотографии живопись избавилась от необходимости доподлинно копировать натуру, получив, таким образом большую свободу. Из-за предоставленной художникам свободы, они потеряли их общие идеи и цели. Поэтому искусство ХХ века – это постоянный поиск художниками новых форм, новых средств выразительности и нового содержания.

Направление в искусстве, характеризующееся нарушением классических изобразительных форм, установлением нового и утверждением радикальных художественных принципов принято называть модернизмом. К художникам-модернистам относятся Пабло Пикассо, Анри Матисс, Сальвадор Дали и многие другие. Эти художники так много экспериментировали с формой и цветом, что породили совершенно новый взгляд на окружающую действительность и новые представления об изобразительном искусстве. Модернисты свободно сочетали разные формы искусства прошлого, не боялись стихийно смешивать реальность и выдумку, возвышенное с низменным, добро со злом. Так, в картинах Сальвадора Дали причудливо соединяются обрывки реальности, образуя новый абсурдный и тревожный смысл, который похож на видение сна.

Во второй половине ХХ века широко распространилось такое направление в искусстве как поп-арт («общедоступное искусство»). Оно опирается на элементарную потребность «узнавания». Пример поп-арта можно увидеть, рассмотрев картину Уорхола «Мерлин Монро». Уорхол пытался отразить массовое сознание людей и их стремление создавать себе кумиров.

В России ХХ века портретное искусство также достаточно разнообразно по содержанию и форме. Для русских художников ХХ века было важно через образы современников создать образ жизни своей страны. Рассматривая автопортрет Петрова –Водкина, картину Попкова «Шинель отца», картину Серебряковой «За туалетом» можно понять, что портрет в ХХ веке превращается в сложную композиционную картину, выходя за привычные рамки жанра.

На картине Попкова «Шинель отца» можно проследить одну из важных тем русских портретов ХХ века – связь современности с прошлым. Примеряя шинель, герой картины соотносит свою судьбу с судьбой отца, таким образом, художник ставит философскую проблему связи времён и поколений.

Надеемся, что Вы много узнали о мастерах портрета и о развитии портретной живописи. Чтобы знать свою историю и культуру необходимо также помимо школы посещать музеи и художественные выставки.

Теоретический материал для углубленного изучения

В России сложилась своя школа портрета, отличающаяся жанровым разнообразием. К концу XVIII века русский портрет по своему высокому уровню качества сравнялся с современными ему мировыми образцами. Его представителями являются Фёдор Рокотов, Дмитрий Левицкий, Владимир Боровиковский.

Левицкий и Рокотов проделывают путь от парадного и полупарадного портрета к камерному. К концу века русской портретной школе свойственна деликатность, подчеркнутая вдумчивость, сдержанная внимательность, некая добропорядочность и благовоспитанность без потери элегантности.

воскресенье, 12 мая 2024 г.

Импрессионизм

Клод Моне

худ. П.О. Ренуар. Клод Моне в саду в Аржантёё.

Стремление Клода Моне запечатлеть мгновения увиденного в живописи, вывели его на пленер. Моне понял, что работы выполненные на свежем воздухе полны чистоты красок, яркости и особенной правдивости цвета. Моне советовал: "Старайтесь забыть о том, что вы видите перед собой, - о дереве, доме, о поле, о чём угодно. Просто думайте, что в этом месте - маленький синий квадратик, там - продолговатая розовая фигура, и продолжайте до тех пор, пока у вас не возникнет наивного впечатления от картины, которая находится перед вашими глазами".

Художника интересовал цвет, он знал об открытии Эжена Шеврёля о цвете, о его способе зрительного восприятия цвета и сам экспериментировал.

Моне нашёл собственную технику письма в живописи, нанося на холст широкие мазки кистью, ставя точки, чёрточки, штрихи и зигзаги. Стремясь запечатлеть мгновения жизни, Моне работал быстро и одновременно на всей площади холста, стараясь покрыть всё пространство. Моне быстро понял, что наибольший цветовой эффект достигается при соседстве основного цвета с дополнительным. В результате, у мастера появляются целые серии пейзажей одного объекта: Стога сена, Руанский собор, здание парламента, мосты скалистые морские берега и т.д..

вторник, 19 сентября 2023 г.

ноктюрн

- Какой вам видится соната Бетховена?

- Можно ли увидеть за звуком цвет?

1. Просмотр картин Джеймса Уистлера и обсуждение

Что общего между этими произведениями?

Уистлер Джемс Абботт Макнилл

(Whistler, James Abbott McNeill) 1834, Лоуэлл, Массачусетс — 1903, Лондон.)

Американский живописец и график, почти всю свою жизнь проживший в Англии. Творчество мастера тесно связано с национальными школами Англии и Франции, где он получил художественное образование. Но первые шаги в живописи Уистлер сделал в России, подростком посещая классы Академии художеств в Петербурге, где его отец, американский инженер, был занят на строительстве железной дороги. В частности наши американские мосты на Обводном канале построены им.

Джон Рескин - известный и влиятельный теоретик от искусства выступил в печати: " ... но я никогда не предполагал увидеть, как некий тщеславец осмелится запросить двести гиней за то, что он брызнул краской из горшка в лицо публике". Прочтя это, Уистлер сначала оскорбился, а затем обратил внимание на обвинение, что он "не работает", ленится и "ведет праздную жизнь". Но критика в адрес ноктюрнов не утихала и Уистлер решил обратиться в суд. На суде адвокат Рескина задал вопрос: сколько времени художник рисовал "Падающие огни", и получил ответ - два дня.

«В Черном и Золотом»,

«Падающая ракета».

(1874

- И за двухдневную работу вы хотите получить двести гиней?

- Нет, - отвечал Уистлер, - я прошу эту плату за знания и умение, которому я учился всю жизнь.

При этих словах в зале раздались аплодисменты. Нo на суде Уистлера ожидал удар: свидетель противоположной стороны, человек, которого он считал своим другом, художник Бери-Джонс, сказал, что считает поведение Уистлера саморекламой, и что эта его картина - "просто набросок"; а другой свидетель, художник Фриш, вообще сравнил ее с рисунком на обоях... Суд все же постановил, что Рескин в клевете виновен. Уистлер выиграл суд.

- На какую тему эти картины?

- К какому виду изобразительного искусства они относятся?

- Созвучна ли музыка, прозвучавшая в начале урока с произведениями Джеймса Уистлера?

- В чём единство картин Уистлера и музыки?

- Что помогло ощутить сходство двух этих видов искусства?

"Используя термин "ноктюрн ", я подчеркиваю универсальность картины, оторванной от конкретного места или события, - писал Уистлер. -Слово "ноктюрн" определяет главенство линии, цвета и формы над событийным содержанием работы". В поисках натуры Уистлер подолгу бродил вдоль берегов Темзы, но ему было сложно делать наброски на пленэре, поэтому большая часть его картин создавалась по памяти, в мастерской. Друзья вспоминали, что во время таких прогулок Уистлер часто бормотал какие-то слова, словно проговаривая и запоминая детали будущей картины. Вернувшись в мастерскую, он, восстанавливая свои ощущения по тем словам, которые остались у него в памяти, работал очень быстро.
Почему все эти живописные полотна художник назвал НОКТЮРНАМИ?

2. - Может ли быть таким ноктюрн?
Можно ли увидеть в музыке подобные сюжеты?

Прослушивание произведения Фредерика Шопена «Ноктюрн №2».

Одновременно показ слайдов произведений художников:

Прудникова Елена

Джильберт Вильямс

Кузнецов Евгений

Макаров А.

Исаев Ж.

Обсуждение с учащимися просмотренных картин с вопросами учителей ИЗО и музыки

3. – Особенности ноктюрна.

Учащиеся подводят итоги и дают определения нактюрну

Чувства
звук
цвет
лирика
ночь
созерцание
мечтательность
таинство
одиночество

любовь

4. - Прослушивание произведения П. И. Чайковского «Ноктюрн №4» соч.19.

(Показ произведений И. Левитана, А. Куинджи, А. Саврасова, на вновь звучащую музыку
П. И. Чайковского).

- Созвучна ли музыка П.И.Чайковского с данными произведениями русских и зарубежных художников?

5. Загадка-диалог.

Можно ли отнести эту музыку Моцарта к жанру "Ноктюрн"?

- Прослушивание «Рондо» из сюиты «Маленькая ночная серенада» В.А.Моцарта. Показ слайдов с картинами А. Ватто, их обсуждение.

( Сообщение учителя об особенностях ноктюрнов в XVII – XVIII веках.)
Серенада - в переводе с итальянского – «вечерняя музыка» или «вечернее развлечение».
Серенадами назывались произведения, исполнявшиеся вечером или ночью на улице (итальянское выражение «al sereno» означает «на открытом воздухе») перед домом того, кому серенада посвящалась. Чаще всего -- перед балконом прекрасной дамы. Зародилась серенада на юге Европы, под теплым синим небом Италии и Испании. Там она была непременной частью жизни города. То с одной, то с другой улицы почти всегда доносились звуки музыки -- чаще всего звон лютни или гитары, пение.

6.Самостоятельная работа учащихся.

Задание на урок:

Выполнить живописную композицию на тему прослушанной музыки.

(Практическая работа учащимся даётся на 20 минут, затем идёт показ лучших работ, они вывешиваются на классную доску.)

Разбор работ учащихся. Выставка лучших творческих работ учащихся.

Вопрос учителя:

- Под музыку какого композитора вы попытались выразить свои чувства?

(Беседа учителя о композиторе и его произведении).